Costumele de balet au fascinat întotdeauna prin frumusețe și eleganță. Au captat imaginația generațiilor întregi prin abilitatea de a spune o poveste cu ajutorul materialelor și culorilor. Inovând și redefinind designul costumelor designerii au schimbat istoria baletului, a corpului și a structurii dansului.
Secolele XV – XVI
Costumele pentru balet pot fi date încă din perioada Renașterii, de la curțile Franței și Italiei. Importanța măștilor și costumelor pentru spectacol este reflectată și în design-ul costumelor de balet. Până în 1770 în spectacolele de balet se foloseau măști pentru a demoni, nimfe sau pitici. Costumele erau fabricate din bumbac și mătase amestecate cu fire de in țesut și tifon semitransparent.
La începutul secolului XVI au fost înființate primele teatre publice în Veneția, Paris și Hamburg ceea ce a influențat design-ul costumelor. Acestea au început să fie confecționate din materiale foarte scumpe și decorate excesiv. În timp ce balerinii purtau costume strâmte realizate din brocart, costumele feminine reflectau opulența epocii prin tunici din mătase brodate.
Caracteristică acestei perioade este influența romană asupra costumelor: fustele din mătase erau voluminoase, coafurile erau realizate în funcție de costum, iar vestimentația dansatorilor masculini era inspirată din armurile soldaților romani.
Secolul XVII
Îmbrăcămintea nobililor de la marile curți regale ale Europei rămâne un punct de reper și sursă de inspirație în creerea costumelor dansatorilor. Acestea erau spectaculos decorate cu pietre prețioase, brodate cu fir de aur și confecționate din mătase și satin. De asemenea, costumele aveau decorațiuni simbolice care să reprezinte meserii, de exemplu foarfeca reprezenta croitorul.
În Rusia, costumele de balet erau asemănătoare cu cele franțuzești. Materialele grele și numeroasele aplicații împiedicau balerinele să realizeze mișcări libere și grațioase.
Secolul XVIII
La începutul secolului XVIII baletul european era centrat în jurul Operei din Paris. Costumele pentru scenă erau variante mai elaborate a vestimentației de la curtea regelui. Design-ul și cromatica acestor începe să se modifice și capătă accente feminine. În jurul anului 1720 fustele au fost scurtate cu câțiva centimetri. Culorile costumelor balerinelor aveau tonuri pastelate precum roz, bleu, fistic, piersică, galben și erau decorate cu panglici și flori.
Secolul XIX
În secolul XIX s-au produs o serie de schimbări importante atât din punct de vedere al coregrafiei, cât și al costumelor. Influențat de curentul romantic, costumul balerinelor este reinventat. Coronițele din flori, corsajele, aplicațiile de perle erau elemente ce dominau vestimentația la începutul secolului XIX. Designul costumelor masculine avea accente neoclasice.
Anul 1832 a devenit un punct de reper în istoria costumului de balet datorită balerinei Marie Taglioni. Aceasta a purtat primul tutu alb în spectacolul de balet La Sylphide stabilind noi standarde în costumul feminin. Tot în secolul XIX costumele au devenit mai strâmte și balerinii au început să poarte poante pe toată durata spectacolului.
Baletul rus a fost influențat decisiv de scriitori precum Tolstoy, Dostoevsky și Tchaikovsky care au schimbat sensul compozițiilor narative.
Coregrafi precum Marius Petipa au creat spectacole de balet inspirate din basmele Frumoasa adormită (1890), Lacul Lebedelor (1895) și Raymonde (1898) popularizând costumele fantasy.
Secolul XX
Design-ul costumelor de balet a reflectat schimbările rapide ale societății și modului de viață din secolul trecut, adaptându-se continuu. Libertatea și energia acestei perioade este captată și de vestimentația balerinilor. Coregraful rus Michel Fokine și-a pus amprenta și asupra designului costumelor. Acestea au fost modificate pentru a permite răsuciri și mișcări mult mai lejere, iar tutu-urile au fost scurtate până la genunchi.
Isadora Duncan a revoluționat istoria costumului prin introducerea siluetelor naturale și eliminarea corsetelor. O influență majoră a avut-o și producătorul rus Serge Diaghilev. Spectacolul Scheherezade (1910) este încă o dovadă a influenței orientalismului din acea perioadă. Costumele balerinilor au început să includă tunici exotice, turbane, văluri înfășurate în jurul trupului. Culorile vibrante precum roșu, portocaliu și galben au contribuit la crearea unei atmosfere exotice.
Începând cu anii 1920, coregrafii au început să colaboreze cu designeri pentru a crea costume de balet excepționale. În 1924, celebra Coco Chanel a creat costumele pentru spectacolul Le Train Blue al Ballet Russes. Inspirate din stilul său casual chic, costumele balerinilor semănau cu cele ale jucătorilor de tenis. De asemenea, Yves Saint Laurent a creat costume pentru Ballets Russes.
Baletul modern și contemporan
Modernismul a permis o mare variați a costumelor de balet, eliberându-le de regulile rigide. Inovația și imaginația au stat la baza conceperii unor spectacole în care costumele înseși erau purtătoare ale mesajului operei.
În prezent balerinii pot purta orice fel de costum, extravagant sau clasic, simplu sau decorat. Secolul XXI este marcat de o strânsă colaborare între coregrafi și costumieri. Redefinirea liniilor costumului impune și o regândire a mișcărilor, a corpului și a ceea ce se poate crea pe scenă.
Din 2011, New York City Ballet invită creatori de modă celebri să creeze costumele balerinilor pentru premiere și gale. Printre cei și-au pus la dispoziție imaginația și talentul în creerea unor costume unice se numără și designerul italian Valentino.
Colaborarea dintre creatorii de modă și coregrafi este încă o dovadă a permanente adaptări a costumelor de balet și a faptului că acestea un reflectat întotdeauna epoca în care au fost create, personalitatea artistică a celor care le poartă, stilul și estetica timpurilor.